La peinture de Mariusz DUDEK (il habite Cracovie, ville-frontière entre les cultures de l’Ouest et de l’Est) se compose de bruns profonds, ocres, oranges et rouges fané, sépias et terres de Sienne, jaunes et doux violets. De ces fonds surgissent d’élégantes lignes calligraphiques ainsi que des formes solides, structurées, et noires. Précieux noirs qu’accompagnent ces couleurs chaudes et lumineuses. Double jeu des couleurs sur les grandes surfaces que remplissent les instruments, les figures gracieuses des femmes nues ou dans leurs robes élégantes; ou bien des natures mortes. Ces motifs apparaissent en fragments, comme s’ils étaient coupés accidentellement, parfois contre le bord gauche, ou bien sur la droite d’une toile  mince et rectangulaire.

Une très grande toile est découpée en bandes verticales, et maintenant nous devons en assembler les parties. De la fantaisie du peintre dépend la façon dont le polyptyque s’offre au spectateur, parce que ce sont des concerts dans lequel le chef d’orchestre interprète librement la partition, qu’il a précédemment crée.  Plus qu’un concert, ce sont  donc plusieurs concerts et autant combinaisons possibles.

Il faut imaginer un grand ensemble d’instruments de musique. Il faut aussi s’imaginer un orchestre symphonique avec contrebasses, violoncelles, violons, altos. Un grand nombre de contrebasses, violoncelles, violons et altos. Il faut encore imaginer la peinture de Mariusz Dudek amoureux de la musique, de l’harmonie des formes et des couleurs en musique. Et il faut toujours imaginer de belles femmes écouter attentivement; et imaginer … les images de Mariusz Dudek.

Variations des couleurs chaudes, à peine marquées dans certains endroits. La couleur ressort de l’arrière-plan. De cette manière le peintre souligne certaines parties du corps de la femme ou d’un objet. Le fond coloré pénétrant librement à l’interieur du motif change son caractère en dépit des taches de même tonalité. Oui l’artiste concentre notre attention en resserrement et en desserrement des distances limites.

En promenant l’oeil sur ces fragmentations nous pouvons, par la volonté du peintre, mais aussi par notre imagination, les percevoir comme des ensembles plus vastes, ou nous plonger dans la contemplation d’une pièce, ou même d’un détail.

La composition est précise jusqu’à ses moindres particularités.  Dudek construit ses images avec la matière volatile de notre sensibilité, de notre mémoire et de ses mécanismes perceptifs. Il le fait en laissant de substantiels « non-dit » – non-peint et non-dessinés. Dudek construit son oeuvre en collaboration avec notre imagination.

Cette peinture n’est pas une copie, c’est un lieu vivant, en mouvement. Ce sont des points d’appui qui montrent comment le peintre voit les événements.

Mariusz Dudek peint en gardant une certaine distance avec le thème, la peinture, et  lui-même. Il s’agit d’une peinture présente depuis l’Antiquité, tant à l’Est qu’à l’Ouest, et présente dans les icônes byzantines, comme dans l’atelier de Théophane le Grec. Le peintre montre comment peindre. La forme ouverte de ces images est une caractéristique rarement rencontrée aujourd’hui, il ne s’agit  pas seulement d’une convertibilité du polyptyque, mais d’une façon de peindre propre à l’artiste.

Zbigniew Makarewicz

Wrocław, Novembre 2009

Jean-Christophe Hervé

Né en 1945 en Bretagne, Christian Halna du Fretay  commence très jeune une formation en peinture à l’Académie des arts plastiques de Laval, cursus qu’il poursuit à l’Ecole des Beaux-Arts de Lorient. Ses influences, de Balthus pour la figure et les compositions à  de Staël pour la couleur et Bacon pour les déformations, le poussent à épurer ses sujets figuratifs pour tendre vers une lecture davantage liée au volume et à la couleur en composition.  A partir de 1974, il commence à exposer son travail et collabore depuis principalement avec trois galeries en France et en Angleterre.

Extrait « Pratique des Arts »

Stephanie Elisabeth PAULY est née en 1951 à Trèves en Allemagne.

Cet ailleurs artistique est-il plus accessible dans un paysage produit par la nature « naturelle » que dans un paysage construit où cet aspect implique un ordre imposé par la société?

Paysages urbains/

Jean-Michel Mefort/Kadambari Misra/Arno/Germain Boudier/Dinelli/Mourlevat

Paysages maritimes/

Michel Le Deroff/Patrick Camus/Tremohars/Jean Chevolleau/Antonio Gravina

Jean-Claude Faujour/Eugène Bégarat

Exposition du 25 novembre au 31 décembre 2012

La Galerie IZART vous invite à la Dixième édition de la Foire d’Art  à Varsovie les 19-21 Octobre 2012, qui aura lieu, comme l’année précédente aux Arcades Kubicki au Château Royal de Varsovie.

Zapraszamy na dziesiątą już edycję Warszawskich Targów Sztuki w dniach 19-21 października 2012, które odbędą się, tak jak w roku ubiegłym, w Arkadach Kubickiego Zamku Królewskiego w Warszawie.

Annick LEROY est née en 1951. Après avoir suivi différents cours de dessin dans les années 80, elle se tourne vers la sculpture, et séjourne à Los Angeles où elle assiste Martine Vaugel, sculpteur américaine, professseur au New York Academy of Art  et seule artiste féminin qui a gagné le Grand Prix International Rodin de Figure Monumentale à deux reprises. « Partagée depuis toujours entre l’architecture et la sculpture, ce sont les évènements qui ont orienté mon choix. J’ai eu la chance de démarrer des études dans une époque bouillonnante, en 1969, qui fut aussi une période de remise en question complète des écoles d’art. J’ai fini par m’orienter vers une voix scientifique et  rejoindre le CNRS [NDLR - ingénieur en informatique]. J’ai poursuivi ma carrière à mi-temps,  occupant le reste de mon temps à dessiner, peindre et sculpter. Certains évènements ont marqué ma formation : une année sabatique qui m’a emmenée en Afrique avec mon carnet à dessin, puis ce séjour à Los Angeles où j’ai pris des cours de dessin de nu et de sculpture ».

Patrick Camus, né 1947 à Brest. Il parcourt la Bretagne depuis le pays bigouden  qu’il habite. Peintre figuratif, il exerce son talent du paysage terrestre et maritime à la nature morte, d’un vitrail à une bannière, et travaille sur le mouvement ou la danse des éléments…

Patrick Camus a été nommé Peintre Officiel de la Marine en 2001. II a notamment illustré un ouvrage sur les Iles de Bretagne et participé à plusieurs ouvrages collectifs dont La pêche en Bretagne (Éditions le Télégramme).

Michel LE DÉROFF se revendique lui-même comme amateur et autodidacte. Eh bien, comme autodidacte, son travail est très performant et ses oeuvres ne s’expriment pas à demi-mot, mais font preuve d’un talent, inné sans doute, et tout à fait remarquable. Quant à être amateur, je lui sais gré d’employer ce mot dans sa belle définition originale : celui qui aime ! Et Michel LE DÉROFF en fait grand cas au fil d’une carrière artistique comblée de nombreux prix qui l’honorent. Surprenante et très belle, sa façon de camper le pittoresque d’une ruelle de village ou de quelques bateaux, échoués avec un grand sens de l’équilibre. Mais c’est lorsque Michel LE DÉROFF pose ses couleurs que s’expriment sa singularité et cette manière d’animer un motif, scrupuleux par une vague d’ambre, de lumière et de couleurs, d’un geste sublime et magistral où s’incruste une vision de l’espace peu ordinaire. D’un gestuel contemporain, il métamorphose ainsi une réalité accomplie et accorde à certains motifs rebattus, une authenticité nouvelle, une vitalité et une atmosphère exceptionnelles qui sont la marque de son talent.

André RUELLAN

Originaires de Treffrin (22), les sœurs Goadec (Ar C’hoarezed Goadeg en breton) formaient un trio de chanteuses françaises d’expression bretonne a cappella.
Les trois sœurs : Maryvonne (1900-1983), Anastasie (1913-1998) et Eugénie Goadec (1909-2003) commencent à chanter dans les années 50. Elles acquièrent une célébrité dans les fest-noz à travers toute la Bretagne jusqu’à la fin de leur carrière qui se termine en 1983.

Deux projets de sculpture monumentale, pour la ville de CARHAIX qui va saluer leur mémoire.

L’oeuvre retenue, réalisée par Annick LEROY, mesurera 2,10 m et sera installée en plein centre-ville, sur la place du Champ-de-Foire.

« J’aime travailler sur des personnages ayant réellement existé. J’apprends à les connaître et je me laisse habiter par leur caractère. Pour les soeurs Goadec, il m’arrive de travailler en écoutant leur musique. J’entre dans leur monde » A. Leroy

Sculpteurs: Elisabeth CIBOT et Annick LEROY

« Jean-Claude FAUJOUR utilise dans ses oeuvres le code maritime international qui permettait aux bateaux de communiquer entre eux.

Pour lui, c’est l’alphabet du peintre car il est fait de formes et de couleurs.

Il illustre alors un prénom, un verbe, autant de mots qu’il s’amuse à transcrire en peintures, en sculptures ou sur papier.

Mais, bien que ludique, ce travail n’en est pas moins encore une fois l’illustration de l’intérêt qu’a le peintre pour la communication.

Communication entre les peuples par des moyens techniques comme dans cet alphabet ou bien ces signes qu’il a aperçu dans des grottes et mis ensuite dans certains de ses précédents  tableaux ou bien encore ses fameux «Toimoinous». C’est toi, c’est moi, c’est nous.

Ici, il nous invite au voyage. »

Laëtitia Faujour

« Je peins comme je respire.

Je guette à chaque moment l’étincelle, le détail, la bouffée d’air qui me permettra d’avancer.

J’attends ce moment comme une délivrance. Elle arrive sous la forme d’un champ triangulaire, sous la couleur jaune vif d’une étendue de colza ou la matière pierreuse d’une parcelle labourée.

Ainsi naissent les « terres-mères », les « colza stories », les « grands champs de pierre » ou les « nervures de rêve ». Ma peinture tourne autour du paysage et de la terre.

J’y inscrit notre histoire, les marques de notre passage, les empreintes que nous laissons. J’y grave la vie, la mort, les espérances et les désespoirs. J’exorcise mes peurs.

Je déambule dans ma peinture comme on fait le tour de son champ, en guettant la petite ligne verte qui marque la naissance du blé. »

Jean-Claude Faujour

« In his work Jean-Claude Faujour incorporates the International Naval Signals that enable ships to communicate with each other.

It is his personal alphabet, because it is made of shapes and colors.

With it, he illustrates a name, a verb, as many words as he wishes,  transforming them into a painting, a sculpture or onto paper.

Although playfully, it is an illustration concerning the artist’s deep interest in communication.

Communication among people, through technical means, -as in his personal alphabet- or through symbols, seen in prehistoric caves.

These he used to apply in some of his earlier paintings, one of them is his famous « Toimoinous »: « You-me-us »

Herewith he invites us to a journey. »

Laëtitia Faujour

« Painting is my way of breathing.

At every instant I look out for the spark, the detail, the breeze that will push me forth.

I long for this moment of liberation. When it arrives, it has the look of  a  bright-yellow, triangle-shaped rape-field or the stony surface of a ploughed field.

Thus were born the « terres-mères », « colza stories », « grand champs de pierre » or « nervure de rêve ». My art revolves around lands and landscapes.

I imprint our history, the marks of our transition and the marks we leave behind. I engrave life, death, hope and desperation. I exorcise my fears.

I amble in my paintings as a farmer in his field, looking for the tiny shoot of green that announces the growth of wheat. »

Jean-Claude Faujour

EROS ET VALENTINE

À l’occasion de la Saint Valentin, la galerie IZART présente une exposition inédite.

Il semblerait que de nos jours le ralentissement de la vie économique va de pair avec une baisse collective de la libido, IZART propose d’y remédier artistiquement.

Les élégantes miniatures indiennes et les shungas japonaises présentés sont pleins d’évidence. L’évidence du plaisir à donner et à recevoir. L’élégance des corps dénudés et du décor. La sexualité va de soit, fait partie de la vie, et s’intègre au quotidien. Les amoureux ne se cachent pas au fond d’une chambre. On ne se cloître pas. Autant d’images qui frappent agréablement l’esprit: on s’aime sur les terrasses, dans les jardins, dans les pièces lumineuses, dans le décor parfois somptueux et certaines oeuvres ne font aucun mystère des plaisirs et des beautés  de l’amour charnel.

Chez nos artistes contemporains, le sexe n’est plus seulement un sujet mais aussi un outil qui lève le voile sur le fonctionnement interne des sociétés humaines. Les pratiques sexuelles et les tabous culturels ne cessent d’évoluer, c’est leur impertinence qui permet d’explorer l’ambiguité des oeuvres et d’en dessiner les frontières. Ce qui était hier une grivoiserie devient aujourd’hui de la pornographie, ou l’inverse. Ainsi en va-t-il d’une société à une autre. On sourit ou on condamne.

De même certains peintres ont la tentation d’étaler tout leur savoir intime, en détaillant minutieusement telle ou telle scène, et semblent surdocumentés, alors que d’autres stylisent à l’extrême ou font fi de toute vraisemblance.

Artistes exposés:

J.COHEN, F.TOULEMONDE, E.HAMON, D.DILLON, J-F.GUÉVEL, Y.COCHERY, G.BOUDIER, Y. VERRIMST,

Miniatures Indiennes, Shungas Japonaises,

l’invité exceptionnel:

Zbylut GRZYWACZ

EROS ET VALENTINE

On the occasion of St Valentine’s Day, the gallery IZART presents a new exhibition.

It would seem that the slowdown in economic life has resulted in an accompanying decline in libido: IZART offers you an artistic remedy to this phenomenon.

The elegant Indian miniatures and Japanese shunga presented in this show epitomise the notion of pleasure. Pleasure in giving and receiving. Elegance abounds the naked body and decor. Sexuality is obvious, is part of daily life. Lovers do not hide at the back of a room. They do not seek cloister. The images are strikingly pleasant. They openly love each other on terraces, in gardens, in bright rooms, decorated in sumptuous surroundings purging the pleasures and beauties of carnal love of they mystery.

In these contemporary artists, sex is no longer merely a subject but also a tool that sheds light on the inner workings of human societies. In their work sexual practices and cultural taboos continue to evolve, it is their impertinence that explores the ambiguity of the works and draws borders. What was considered humerously smutty yesterday has become pornographic today, and vice versa. We smile or we condemn, but we cannot remain indifferent.

Similarly, some artists are tempted to spread their intimate knowledge, meticulously detailing a particular scene, and seem over-instructed, while others, stylized to the extreme, ignore all resemblance to reality.

Exposed artists:

J. COHEN, F. TOULEMONDE, E. HAMON, D. DILLON, JF.GUÉVEL, Y. COCHERY, G. BOUDIER, Y. VERRIMST,

Indian Miniatures, Japanese Shunga,

and the special guest:

Zbylut GRZYWACZ

Eva HAMON

Ahmed Shahabuddin, né en 1950 à Dhaka au Bangladesh, est un peintre figuratif mondialement reconnu. Il vit depuis 1974 à Paris.

Shahabuddin a participé activement au Mouvement de Libération du Bangladesh en 1971, où il est devenu un héros national. En 2000 il reçoit le prix national de la paix, (plus haute distinction de son pays).

Il a été élu en 1992 l’un des 50 maîtres de l’Art contemporain lors de l’Olympiade des Arts à Barcelone. Il expose partout dans le monde. Certains de ses tableaux figurent dans les collections permanentes du musée national du Bangladesh à Dhaka, du musée national bulgare à Sofia, du musée olympique de Séoul en Corée, du Musée Olympique de Lausanne en Suisse, etc.